A la Renaissance, les peintres utilisaient « des glacis transparents », pour donner à la surface l’aspect lisse et brillant du miroir. Au cours du XIXème siècle, Delacroix d’abord, puis les impressionnistes, vont utiliser la couleur pour « faire lumière dans leurs paysages » par une touche expressive et personnelle qui deviendra véritablement « signature de l’artiste ».
Claude Monet, Impression, soleil levant, 1872, musée Marmottan, Paris.
Le paysage est une source universelle d’inspiration pour les artistes et la peinture début de siècle en témoigne largement. Mais à la fin des années soixante, les artistes du Land Art cessent de le représenter, intervenant directement dans la nature. Ils réutilisent ses codes, son fonctionnement interne : la croissance, les saisons, les rythmes naturels, les formes présentes dans un paysage ou une simple feuille etc.
Robert Smithson, Spiral Jetty
Le paysage a longtemps été discret dans les tableaux, s’effaçant au profit des personnages du premier plan. Sa représentation est soumise aux lois de la perspective, et l’artiste doit corriger les effets de nature en vue de produire un paysage idéalisé. Au XVIIème siècle, les hollandais vont prôner une vision plus réaliste du paysage, esthétique qui sera reprise en France par l’école de Barbizon puis les Impressionnistes. Ils iront peindre « sur le motif » en faisant de la nature le sujet principal de leur tableau.
Théodore Rousseau Chênes à Apremont (1852) Musée d’Orsay.